Nachdem viele Besucher des Amsterdamer Rijksmuseums Rembrandts Gemälde bewundert haben, werfen sie immer einen Blick auf die berühmten niederländischen Stillleben aus dem 17. Jahrhundert (Show) in all ihrer Farbe und Vielfalt. Der damalige Künstler muss über viel Fachwissen verfügen, um eine Vielzahl von Objekten einzeln und so „real“ wie möglich zu präsentieren und andererseits eine attraktive und ausgewogene Komposition von Farben, Formen und Materialien zu erzielen. Er musste auch in der Lage sein, das Licht auf jedem Objekt einzeln darzustellen und alle Arten von Materialien und Oberflächen darzustellen: feuchte Trauben, samtige Pfirsiche, rohe glänzende Granatäpfel und tiefrote Erdbeeren mit ihren leicht versunkenen Samen sowie Porzellanvasen, Keramik und Silbergeschirr, Brokatteppiche, Glaswaren und Zinn; Je unterschiedlicher der materielle Ausdruck ist, desto herausfordernder ist er und desto mehr Wertschätzung erhält der Maler. Der Kunde lässt das Gemälde seinen Reichtum zeigen: Der mehr als üppig gefüllte Tisch und das schöne und oft teure Interieur werden der Außenwelt als Zeichen des Status gezeigt. Heute spielt auch die Symbolik der abgebildeten Objekte eine große Rolle: Als eine Art Warnung an den Kunden stellen die Künstler die Vergänglichkeit des Lebens dar, indem sie unter anderem Früchte und Blumen in Stillleben verwenden (die bald umgekommen sein werden) …).
In den folgenden Jahrhunderten erweiterte sich das Genre weiter mit neuen Themen und neben dem Prunkstillleben beispielsweise dem (See-) Bankett, dem Jagdstück, dem Vanitas-Stillleben, dem Esstisch und dem sogenannten „Toebackje“ (Stillleben von Pfeifen und anderen Rauchartikeln). Es werden immer mehr Varianten in verschiedenen Stilen und Bewegungen hinzugefügt: in impressionistischen losen Schlüsseln, kubistischen Formen und expressionistischen Farbspritzern – Kunstformen, bei denen die exakte Ähnlichkeit der individuellen Erfahrung des Künstlers untergeordnet ist. Darüber hinaus sehen wir die genaue Wirkung wieder, aber jetzt im Realismus des 20. Jahrhunderts.
Wenn der Impressionismus dem Künstler mehr Freiheit bei der Darstellung gibt, nimmt die Vielfalt der Arten von Stillleben zu. Zum Beispiel entstehen mehr Stillleben aus intimen Ecken im Raum, in der Küche, im Flur im Boudoir oder im Malatelier. Der impressionistische Maler Salomon Garf Stillleben mit Erdbeeren in einem Korb lässt sich nach seiner Ausbildung an der Amsterdamer Akademie in Het Gooi nieder. Sein großes Talent für die Malerei zeigt sich in allen Genres, die er im Auftrag aufführt oder nicht. Es ist bekannt, dass er intime Stillleben bevorzugt, wenn er zum Vergnügen malt.
Nach ihrer Ausbildung folgt Coba Surie Malunterricht bei Jo Bauer-Stumpff und Coba Ritsema. Lizzy Ansingh bringt sie dann in den Kreis der Amsterdamse Joffers. Jeder „Joffer“ arbeitete unabhängig und hatte seine eigene Persönlichkeit und künstlerische Ebene. aber ihre wöchentlichen Begegnungen schufen lebenslange Freundschaften. Surie hat eine klare Vorliebe für Stillleben von Fischen oder Alltagsgegenständen, die sie in warmen, satten Farben malt. Ein Beispiel für diese Vorliebe gegenüber ihren Porträts ist ihre Aussage: „Gib mir Stillleben, zumindest spricht das nicht.“
Der Leidener Schulmaler Chris van der Windt gilt in seiner Zeit als Allrounder mit großem Talent. Zusammen mit Arend Jan van Driesten und einigen anderen reist er durch die Landschaft um Leiden, um die Natur zu malen. Lucas Verkoren schließt sich auch regelmäßig an. Die Leidener Schule gehört zum Nachglühen der Haager Schule und Van der Windt wird dieser Bewegung immer treu bleiben. Er macht auch gerne Stillleben, in warmen Farben und in einer impressionistischen Note. Die Themen sind einfach, meist Blumen, Obst oder Haushaltswaren aus seiner eigenen Umgebung. Sie werden von ihm schmucklos und oft so nah gemalt, dass es eine Nahaufnahme gibt. Er ist dafür bekannt, dass er seine Blumen regelmäßig ohne Vase ausstellt, um die Komposition aufzupeppen. Lukas Verkoren, der in seinen frühen Jahren mit Chris van der Windt und anderen durch die umliegende Landschaft reiste, entwickelte sich Ende der 1930er Jahre unter dem Einfluss der neuen Professionalität zu einem geschätzten Realisten. Hier sind zwei Stillleben aus seiner realistischen Zeit abgebildet.
Fast alle Realisten des 20. Jahrhunderts bevorzugen das Malen von Stillleben. Sie lieben die präzise und detailgetreue Darstellung ihrer Objekte nach ihren berühmten Vorgängern aus dem 17. Jahrhundert.
In dem relativ kleinen, gemalten Oeuvre von Jan Wittenberg nehmen seine fein ausgearbeiteten, bescheidenen Stillleben einen herausragenden Platz ein. Ab den zwanziger Jahren gilt er als früher Vertreter des neuen Realismus. Ihm fehlt jedoch die Melancholie und Melancholie, die für diese Bewegung so charakteristisch sind. Er nimmt etwas mehr Abstand, achtet mehr auf die Trennung von Oberflächen, Komposition und Farbe und geht von der Unschuld der Dinge aus. Seine Kompositionen bestehen aus einfachen Motiven vor einem dunklen oder schmutzig weißen Hintergrund und werden oft von oben betrachtet. Damit zoomt er hinein und kommt, wie der Impressionist Chris van der Windt, zu einer Nahaufnahme der Arbeit. In seiner Einfachheit und Ausarbeitung erinnert sein Oeuvre an das von Jan Mankes.
Nachdem sich Gerrit de Jong in den 1930er Jahren für ein Leben als Autodidakt entschieden hatte, wurde sein Talent schnell erkannt. Als er 1940 an der Gruppenausstellung Unsere Kunst von heute im Rijksmuseum teilnahm, erwarb das Museum drei seiner ausgestellten Werke. De Jong bewundert die Präzision alter Meister wie Jan van Eyck und Hendrick Avercamp. In dem abgebildeten Gemälde sehen wir dies in dem Porträt, das wahrscheinlich Agatha van Schoonhoven darstellt, das 1529 von Jan van Scorel (1495-1562) gemalt wurde.
Als we nu in het heden kijken naar het genre stilleven door alle kunststromingen heen, dan kunnen we stellen dat het qua kleur en verscheidenheid niet onderdoet voor een van zijn 17e-eeuwse basisstukken, het pronkstilleven.