Sluit menu
Sluit menu
Praktisch kein Thema ist so stark in der bildenden Kunst vertreten und wird in so vielen verschiedenen Formen dargestellt wie Frauen. Wir sehen sie als Maria, Venus und Muse, als Herrscherin, als Mutter, „Schönheit“, Frau der Welt, Femme Fatale und Verführerin. Für die symbolistischen Künstler, die Ende des 19. Jahrhunderts von Mythen, Literatur, Träumen und Emotionen inspiriert waren, sieht die Frau den Mann als eine andere Kreatur: als Personifikation der höchsten Tugend, aber auch als Hexe, Sphinx und skrupellose Kreatur wie die biblische Delila und Salome. Kurz gesagt, sie sehen sie als Heilige oder Sünderin.
Um 1830-1840 gibt es in Westeuropa eine aufstrebende Mittelschicht (Beamte, Industrielle, Händler). Menschen führen ein relativ einfaches Leben, in dem Tugenden wie mütterliche Liebe, Häuslichkeit, Loyalität und Selbstkontrolle hoch geschätzt werden. In der Malerei führt dies zu häuslichen Gemälden von Müttern mit ihren Kindern, die sie beispielsweise beim Lesen unterrichten. Das Dekor ist normalerweise einfach, aber geschmackvoll, mit einem einzigen kostbaren Teppich oder einer Brokat-Tischdecke in Bezug auf einen bestimmten Reichtum.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts führte das Wachstum von Handel, Industrie, Wissenschaft und Technologie zu sozialen Veränderungen. Den Menschen geht es besser und es ergeben sich mehr Möglichkeiten für Frauen. Modewechsel und raffinierte Damen gehen auf die Straße und besuchen das Theater, die Terrassen, Cafés und Geschäfte. Mädchen auf dem Land ziehen in die Stadt, um in Fabriken zu arbeiten oder eine Anstellung als Dienstmädchen oder Verkäuferin zu finden. Maler wie Isaac Israels und George Hendrik Breitner porträtieren sie fröhlich und selbstbewusst. Nach seinem Studium an der Akademie brachte sich der Modernist Jan Sluijters 1904 eine schnelle und freie Arbeitsweise bei und malte das pulsierende Nachtleben auf Montmartre. Er idealisiert und malt das rohe, farbenfrohe Pariser Stadtleben mit seiner Schönheit und seinen flüchtigen Leidenschaften nicht. Nach Kritik an der Rijksacademie und dem Entzug seines Reisekostenzuschusses kehrt er 1907 in die Niederlande zurück, doch Frauen bleiben ein beliebtes Thema. Seine zweite Frau Greet ist seine Muse und erscheint in vielen seiner Werke. Jeder, der ab und zu sein Oeuvre überblickt, entdeckt in seinen Porträts, Tänzern und Akten späterer Jahre einen leicht dekadenten Unterton, der an seine Pariser Dreschflegeljahre erinnert.
1903 tauscht Maurits Niekerk die Stille der flämischen Landschaft gegen die Hektik von Brüssel aus, wo er einige Jahre leben wird, um die Stadt und das Nachtleben zu malen, bevor er nach Paris reist.
Der flämische George Minne, der als wichtigster symbolistischer Bildhauer seines Landes gilt, kümmert sich nicht um alle sozialen Veränderungen und zieht 1898 im Alter von 32 Jahren mit seiner Familie in die Ruhe des Künstlerdorfes Sint-Martens-Latem. Mit Ausnahme der Kriegsjahre 1914-1918 wird er diesem Dorf sein ganzes Leben lang treu bleiben. Hier entstehen seine ersten Arbeiten zum wiederkehrenden Thema „Mutter und Kind“: wunderschöne, religiös inspirierte Kohlezeichnungen mit wirbelnden Bewegungen und Skulpturen in einem eckigen, strengen Stil. Ab der zweiten Hälfte der zwanziger Jahre entwickelte er eine realistischere Formsprache. Während der Kriegsjahre zog er mit seiner Familie nach Wales, wo er zu unruhig war, um zu formen, aber wo er seine Serie von Kohlezeichnungen von „Mutter und Kind“ fortsetzte. Das Thema ist jetzt teilweise durch die Angst und Verzweiflung von ihm und seiner Frau über das Schicksal ihrer drei ältesten Söhne motiviert, die in Belgien geblieben sind, um an der Front zu kämpfen.
Künstlerinnen beschäftigen sich heute hauptsächlich mit Malerei und Aquarellen traditioneller Frauenthemen wie (Blumen-) Stillleben und Tiermalereien. In der Welt der Kunst mussten Frauen im 19. Jahrhundert auch für ihre Unabhängigkeit kämpfen. Unabhängig davon, wie tugendhaft und nützlich die Praxis des Malens für Frauen der höheren Klasse ist, wird die Ausübung eines Kunstberufs als das Gegenteil ihrer Natur und Natur angesehen. Erst 1861 erhielten Frauen Zugang zu Kunstunterricht an Akademien und Zeichenschulen, was diese Sichtweise allmählich änderte. Infolgedessen tauchen im frühen 20. Jahrhundert eine Reihe besonders innovativer Künstlerinnen auf. Sie betreten sozial und künstlerisch Neuland, experimentieren mit Form und Farbe und wenden sich von den traditionellen weiblichen Themen ab.
Charlotte van Pallandt (1898-1997) ist eine von ihnen. Nach ihrer Scheidung im Jahr 1923 rang sie vom Adel aus ihrem prädestinierten Leben und entschied sich im Alter von 25 Jahren für eine Karriere als Künstlerin. Zurück in den Niederlanden entschied sie sich nach einem Zeichenkurs in Paris für Skulptur. Sie ist bekannt für ihre Porträts und weiblichen Akte in einem robusten Stil, in dem Stärke und Schrulligkeit erklingen. Mit Ausnahme einer kubistischen Periode in den 1920er Jahren und einer abstrakten Periode in den 1960er Jahren arbeitet sie hauptsächlich auf realistische Weise, manchmal grob modellierend, dann verfeinernd.
Sitzende Frauenfigur mit Apfel ist wahrscheinlich Teil der Serie kleiner Truus-Figuren aus dem Jahr 1952, benannt nach dem begehrten Modell Truus Trompert, das ab 1943 regelmäßig für Van Pallandt posiert. Aufgrund ihres beruflichen Engagements arbeitete sie bereits hauptberuflich als Model für mehrere Bildhauer. Charlotte van Pallandt arbeitet besonders gerne mit ihr, weil das Model genau das fühlt, was von ihr erwartet wird, und über Truus gesagt hat: „Jede ihrer Einstellungen war ein Bild.“ Van Pallandt ist nicht nur eine der ersten unabhängigen Künstlerinnen in den Niederlanden, sondern gilt auch als eine der wichtigsten niederländischen Bildhauerinnen des 20. Jahrhunderts.
