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Sonntags geöffnet: 26. November und 10. Dezember 2023
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Das Kunstwerk von Auke de Vries, für das diese Statue Vorbild war, steht im Wasser des mittleren Teils des Zuiderpolders in Haarlem. Die Statue „neigt“ sich sozusagen in die entgegengesetzte Richtung des vom Architekten Koen van Velsen schräg ins Wasser gestellten Wohnblocks, auch Schreibtisch genannt. Die Grundschule liegt gegenüber der Wohnung.
Enthüllung des Kunstwerks „De Vishaak“ in Anwesenheit von Auke de Vries und Schülern der Zuiderpolder-Grundschule © Rob Hendriks / UP De Boer
Nach Abschluss seiner Ausbildung an der Akademie in Den Haag begann Hendrik Valk in den 1910er und 20er Jahren als aufstrebender Künstler, nach seinem eigenen Stil zu suchen. Obwohl er sich nie einer Gruppe oder Bewegung anschloss, wird sein Stil oft mit Künstlern wie Theo van Doesburg, Bart van der Leck und Vilmos Huszár in Verbindung gebracht. Valk sorgte dafür, dass er sich der Ansichten moderner Kunst bewusst war, verfolgte aber stets seinen eigenen Weg. Er hielt es für wichtig, das „Wesen“ eines Kunstwerks klar darzustellen. Er beginnt mit dem Malen und Zeichnen des ländlichen Lebens, wie Bauernhöfen und Landschaften in der Gegend von Stroe, distanziert sich jedoch zunehmend vom Realismus. Seine Farben sind bereits gleichmäßig und seine Bilder haben scharfe Linien. Auf der Suche nach dem Kern seines Themas bleibt Valk bei seiner eigenen Erfahrung des Künstlers als „Seher“ und vermeidet alles, was ablenken kann, wie etwa die Verwendung von Details. Er abstrahiert seine Kompositionen zunehmend in Blockformen, wobei die Teile erkennbar bleiben: Eine Figur bleibt eine Figur und er verleiht der flachen Leinwand auch weiterhin Tiefe, im Gegensatz zu Bart van der Leck und anderen Künstlern von De Stijl. Als Lehrer für Kopf- und Figurenzeichnen und Gründer der Grafikabteilung der Akademie in Arnheim ermutigte Valk seine Schüler, ihren eigenen Stil zu entwickeln.
Im 1973 produzierte Corneille zusammen mit seinem Freund und Herausgeber Giorgio Cegna eine Serie über die Abenteuer von Pinocchio. Einen ganzen Sommer lang versuchte er, den Text des bekannten und beliebten Märchens in Bilder zu übersetzen. Corneille „mischte Farbe und Schweiß zusammen“ in den Studios des Verlagshauses in Pollenza, um die Serie schließlich auf der fünfzehnten Triennale im Mailänder Stadtpark zu zeigen. Gemeinsam mit Giorgio beschloss Corneille, ein „kolossales“ Buch zu schaffen, in dem jeder blättern konnte und das, da es im Freien ausgestellt wurde, der italienischen Sonne standhalten musste. Letztendlich wurde es von Studenten zerstört und Corneille war der Meinung, dass ein Satz von zwölf Siebdrucken angefertigt werden sollte. Diese wurden in Schwarzweiß hergestellt und anschließend mit Gouache veredelt, was jeden Siebdruck zu einem Unikat macht.
Heutzutage werden Pferde hauptsächlich für Hobby- und Sportzwecke gehalten, doch früher waren sie auf dem Land für die Bodenbearbeitung und Ernte unverzichtbar. Der Maler und Musiker Johan van Hell machte im 20. Jahrhundert etwas anderes als seine romantischen Kollegen im 19. Jahrhundert. Wie eine Schablone werden die Pferde ausgeschnitten, dupliziert und in einem Dreieck platziert, wodurch jede Raumillusion beseitigt wird. Der Horizont wird auf ein schmales Band reduziert. Van Hell war ein Sozialist. Er wollte seine Themen vereinfachen, damit jeder Arbeiter und Analphabet sie verstehen konnte.
Simon Vinkenoog (1928–2009), Dichter, Schriftsteller und Aktivist, spielte eine zentrale Rolle in der Amsterdamer Musik- und Kunstszene der 1960er Jahre. Er war ein großer Verfechter des Experimentierens mit bewusstseinsverändernden Substanzen wie Marihuana und LSD, um einen höheren Geisteszustand zu erreichen Bewusstsein. In seinem Haus an der Bloemgracht und später am Noordermarkt muss ein Kommen und Gehen von Künstlern und Musikern stattgefunden haben. 1948 reiste Vinkenoog im Alter von zwanzig Jahren nach Paris, um der seiner Meinung nach erdrückenden niederländischen Atmosphäre zu entfliehen. Dort traf er Karel Appel, Zadkine, Corneille und Hugo Claus sowie den Fotografen Ed van der Elsken. Vinkenoog lebte acht Jahre in Paris, wo er sieben Jahre lang (von 1949 bis 1956) für die UNESCO arbeitete und in dieser Zeit sein Debüt als Dichter gab. 1961 widmete er sich ganz dem Schreiben. Seine Werbung für die Vorteile verbotener bewusstseinsverändernder Substanzen führt zu Konfrontationen. Im Februar 1964 wurde er wegen Besitzes von 0,16 Gramm Marihuana verhaftet und zu einer bedingten Haftstrafe von sechs Wochen verurteilt. Eine zweite Verurteilung erfolgte im Dezember 1964 und im März und April 1965 wurde er sechs Wochen lang im Internierungslager am Wolveplein in Utrecht festgehalten. Während seines Aufenthalts dort schrieb er das Tagebuch Tegen De Wet: sechs Wochen in Haft, unter anderem über seinen LSD-Konsum im Gefängnis. Aus seinen Kontakten mit Karel Appel entstand die Publikation Karel Appel. Die Geschichte von Karel Appel: ein Wahrnehmungstest 1963 und 1970 der Katalog Appe;’s Oogappels.
Simon Vinkenoog, Karel Appel und Machteld bei Château de Molesmes, Frankrijk, Jahre 60 © Nico Koster / MAI
Als Maler in den 1930er Jahren fühlte sich Wim Bosma stark von den „Wundern“ der modernen Technologie angezogen. Er liebte es, Dinge wie Eisenbahnviadukte, Züge, Boote und Flugmaschinen in einem neuen, sachlichen, realistischen Stil zu malen und zu aquarellieren. Nach 1945 fanden neben technischen Themen auch andere Motive Eingang in sein Werk. Hier bemalte Bosma den Ibis: das erste KLM-Flugzeug vom Typ Douglas DC-3, das am 21. September 1936 an KLM ausgeliefert wurde. Der Ibis wurde bis 1940 im ersten offiziellen Liniendienst nach Le Bourget bei Paris und auf der Strecke Amsterdam-Batavia eingesetzt. Im Juli 1940 konnte das Flugzeug, das damals im Liniendienst Amsterdam-Shoreham eingesetzt wurde, aufgrund des deutschen Einmarsches nicht in die Niederlande zurückkehren. Zusammen mit anderen nach England ausgewanderten KLM-Flugzeugen wurde die Ibis im zivilen Passagierdienst Bristol-Lissabon eingesetzt. Der Ibis, der einzige in diesem Liniendienst, wurde innerhalb von sieben Monaten dreimal von deutschen Kampfpiloten angegriffen. Bei den ersten beiden Angriffen blieben trotz schwerer Schäden am Flugzeug alle Insassen unverletzt. Doch beim letzten Angriff am 1. Juni 1943 verschwand das Flugzeug als BOAC-Flug 777 mit dreizehn Passagieren und vier Besatzungsmitgliedern an Bord im Golf von Biskaya.
Frans Lebret und Jan Hendrik Weissenbruch sind Zeitgenossen. Beide wurden in den 1920er Jahren geboren, der Blütezeit der Romantik. Maler erkundeten die Natur, hielten sie in Skizzen fest und entwickelten sie später im Atelier zu fein gemalten, idealisierten Darstellungen. Lebret ging schon in jungen Jahren hinaus, um die Landschaft und insbesondere das Vieh rund um Dordrecht zu studieren. Sein Spezialgebiet blieb immer die Darstellung von Tieren, insbesondere Schafen, „die ihn durch die Beweglichkeit ihres Fells so anzogen“. Sein Stil wurzelt daher in der Dordrechter Pictura-Tradition, in der die Brüder Van Strij um 1800 eine führende Rolle spielten. Wetter. Mit der Arbeit unter freiem Himmel werden seine Kompositionen nach und nach nüchterner, seine Farbpalette gedämpfter und wir sehen immer mehr das typische, helle „Weißenbruch-Licht“ zum Vorschein kommen. Für Weissenbruch waren Licht und Luft das Entscheidende in einem Gemälde und waren seine frühen Leitlinien für die Darstellung von Atmosphäre und Raum in einer Landschaft. Mit diesem Thema beschäftigte er sich sein ganzes Malerleben lang. In den Landschaften dieser beiden Zeitgenossen lassen sich große Unterschiede erkennen. Bei Lebret wird die Aufmerksamkeit auf einen Hirten und sein Vieh im Vordergrund gelenkt. Im mittleren Grundriss ein Wäldchen und Landhaus, entlang dessen der Blick weiter gleitet zum Panorama im Hintergrund mit einer Mühle am Horizont. Bei Weissenbruchs Gemälde wird der Blick des Betrachters sofort entlang des Kanals auf die Mühle im zentralen Hintergrund gelenkt und der Horizont ist viel höher als bei Lebrets Landschaft. Dabei gibt Weissenbruch seine eigene impressionistische Interpretation der Stimmung, die er in diesem Moment inmitten der Natur erlebte, wieder, während Lebret sich (noch) für die traditionelle Darstellung einer idealisierten Landschaft nach einem vorgefassten Plan entscheidet. Nach 1850 lösten sich die Menschen von akademischen Traditionen und betrachteten die Landschaft mit „neuen“ Augen. In Anlehnung an die Schule von Barbizon wandelte Lebret Mitte des 19. Jahrhunderts das romantische Landschaftsbild in eine realistischere Darstellung um. Aber das ist es. Während Lebret nach dem Vorbild der Haager Schule um 1880 jüngeren Malern den Weg bereitete, die in der freien Natur arbeiten wollten, ging er selbst diesen Weg kaum oder nie. Sein Zeitgenosse Weissenbruch tat es. In immer schnelleren, spontaneren Pinselstrichen vermittelte er Eindrücke von Stimmungen und Atmosphären, Jahreszeiten und Tagesmomenten in der Natur.
Beide Gemälde haben wir 1999 an einen guten Kunden verkauft, der sie schon lange besaß. Jetzt sind sie wieder bei uns. Es war ein angenehmes Wiedersehen, denn wie wir in den Besitz dieser beiden Gegenstücke kamen, ist eine interessante Geschichte. 1987 entdeckte Frank Buunk bei einer Auktion den frühen Winter. Er erkannte sofort, dass es sich um einen Schelfhout handelte, obwohl das Werk einem anderen Künstler zugeschrieben worden war. Also begannen wir damit, Berührungspunkte mit Schelfhout für die endgültige Zuschreibung zu finden. Nach dem Kauf und der Besichtigung von Schelfhout am nächsten Tag. Das „neue Paar“ wurde ausgiebig fotografiert. Am nächsten Tag rief der Kunde an. Den Winter konnte er aus Platzgründen nicht kaufen, bot uns aber sehr freundlicherweise seinen Sommer zum Verkauf an. Der Fall wurde innerhalb einer Minute geklärt. Mittlerweile haben wir die Geschichte mit den vorliegenden Bildern vielen Menschen erzählt. Und die noch ungerahmten Tafeln wurden so oft bewegt, dass es zu einigen Lackschäden am Winterlack kam. Der Lack, mit einigen guten alten Retuschen, dürfte der Sammlung des Werkes geschuldet sein. Frank erinnerte sich an eine frühsommerliche Waldszene von Schelfhout, die wir zehn Jahre zuvor für einen Kunden restauriert hatten. In diesem Gemälde lag der Schwerpunkt der Komposition auf der linken Seite, während unser Winter den Schwerpunkt auf der rechten Seite hatte. Und rate was? Die Größen beider Werke waren praktisch gleich, die Horizontlinien verschmolzen und beide wurden auf Holz gemalt. Könnten sie Gegenstücke gewesen sein? Wir haben die Geschichte dem Besitzer des Sommers erzählt. Neugierig geworden, kam er mit seiner Frau und seine sommerliche Kratzlandschaft musste entfernt werden. So ist es passiert. Aber was war unsere Überraschung, als unten rechts Reste von Schelfhouts Unterschrift auftauchten? Der untere Teil der Signatur war völlig verstümmelt. Allerdings war die obere Hälfte noch mehr oder weniger intakt, und wenn man sie kannte, konnte man deutlich lesen: A…lfh.ut F[ecit]. Die beiden Schelfhouts fanden den Weg zu einem Privatsammler, wo sie jahrelang in identischen Rahmen untrennbar nebeneinander hingen. Bis sie kürzlich zu uns zurückkamen.
Die Werke sind in unseren drei Galerien in Ede ausgestellt, wo Sie herzlich willkommen sind.
Wir begrüßen Sie mit einer Tasse Kaffee und gegen 16 Uhr mit einem Glas Salentein.
Wenn Sie ein bestimmtes Kunstwerk privat betrachten möchten, vereinbaren Sie einen Termin und wir hängen es für Sie in einem separaten Raum auf.
Geöffnet: Dienstag bis Samstag 11 bis 17 Uhr
Sonntags, 26. November und 10. Dezember, geöffnet
und nach Vereinbarung: 0318-652888 oder info@simonisbuunk.nl
